Параграф 9, ГДЗ по обществознанию за 10 класс к учебнику Медведева

1. Понятие «искусство» многозначно: во-первых, это мастерство, умение, ловкость; во-вторых — отражение окружающей действительности в художественных образах. Именно во втором значении искусство является неотъемлемой частью духовной культуры, а художественный образ передаёт видение творцом какого-либо объекта или явления действительности, отношение творца к этому явлению.

2. Виды искусства различают по средствам выражения художественных образов: это звук в музыке, линии и цветовая палитра в графике и живописи, камень (металл) и форма в скульптуре и архитектуре, движение в танце, слово в литературе, исполняемое перед публикой сценическое действие в театре. Каждая среда, материал требуют специфических выразительных средств, своего «языка».

3. Искусство заставляет нас сопереживать, дополняет и обогащает наш внутренний мир: картины, театральные постановки, литературные и музыкальные произведения позволяют заглядывать в душу человека, видеть мир глазами других людей. Для общества искусство важно тем, что обобщает опыт человечества: произведения, которые смогли отразить нечто важное для любого человека и общества в целом, становятся частью мирового культурного наследия.

Театр — вид искусства, средством выражения которого является исполняемое перед публикой сценическое действие. Как вид искусства его характеризуют несколько черт.

1. Синтетичность. Один спектакль может включать в себя одновременно литературу (текст пьесы, сценарий), изобразительное искусство (декорации, реквизит, костюмы), музыку, хореографию; недаром в повести А. Чехова «Скучная история» театр назван силой, соединяющей в себе все искусства.

2. Коллективный характер. Спектакль создаётся многими участниками творческого процесса: в нём объединяется искусство драматурга, актёров, режиссёра-постановщика, художника-декоратора, композитора.

3. Связь со зрителем. В полной мере спектакль становится художественным произведением после того, как его увидит зритель, и часто зрительская реакция или её отсутствие влекут за собой изменения в спектакле.

4. Неповторимость. Каждый спектакль уникален — он существует только во время воспроизведения, его нельзя передать в неизменном виде следующим поколениям зрителей, а с каждым показом он неуловимо меняется.

5. Действие. Основа любого театрального спектакля — действие: каждое действие актёра в предлагаемых автором обстоятельствах должно вести к достижению определённой цели.

В театре художественный образ создаёт прежде всего актёр — словом, пластикой, движениями, мимикой, а помогают ему различные средства выразительности.

1. Театральный костюм — одежда, обувь, головные уборы, украшения и другие предметы, которые актёр использует для характеристики сценического образа.

2. Грим — искусство изменения внешности актёра, преимущественно его лица, с помощью гримировальных красок, пластических и волосяных наклеек, парика, причёски.

3. Декорации — оформление сцены, воссоздающее обстановку, в которой действует актёр.

4. Звуковое оформление — воспроизведение на сцене звуков окружающей жизни, которое помогает актёрам и зрителям почувствовать себя в среде, соответствующей действию пьесы.

5. Свет на сцене — воспроизведение места и обстановки действия, создание необходимого настроения.

6. Сценические эффекты — иллюзии полётов, морского побережья и т. п., создаваемые при помощи специальных приборов и приспособлений.

Кроме того, у каждого вида сценического искусства есть своё главное средство: в драме — речь, в опере — вокальная музыка, в балете — танец, в пантомиме — поза, жест, мимика.

Виды сценического искусства различают по способу выражения художественных образов: это драма, опера, балет, куклы и пантомима.

1. Драма (драматический театр): в основе спектакля — литературное произведение, а основным средством выразительности для актёра является речь. Так, спектакли по пьесам А. Чехова «Чайка», «Вишнёвый сад», «Три сестры», «Дядя Ваня» идут во всех театрах мира, а Московский театр Олега Табакова поставил спектакль «В списках не значился» по роману Б. Васильева.

2. Опера: содержание воплощается средствами музыкальной драматургии, главным образом посредством вокальной музыки. Примеры — «Жизнь за царя» («Иван Сусанин») М. Глинки, «Евгений Онегин» и «Пиковая дама» П. Чайковского, «Борис Годунов» М. Мусоргского.

3. Балет — спектакль, содержание которого воплощается в музыкально-хореографических образах. Примеры — «Лебединое озеро», «Жизель», «Ромео и Джульетта» и «Золушка» С. Прокофьева, «Спартак» Ю. Григоровича на музыку А. Хачатуряна.

4. Куклы (кукольный театр) — постановки, в которых роли играют куклы, озвученные и приведённые в движение актёрами. Обычно знакомство детей с театром начинается с кукольных спектаклей, например по русским народным сказкам.

5. Пантомима: основное средство создания художественного образа — пластическая выразительность человеческого тела (поза, жест, мимика). Например, мим без единого слова, одними движениями изображает человека, который идёт против сильного ветра.

Театр как вид искусства выполняет ряд функций, важных и для отдельного человека, и для общества.

1. Эстетическая функция. Зритель приходит в театр прежде всего за эстетическим наслаждением, связанным с радостью восприятия и любования, а театр оказывает влияние на формирование художественного вкуса.

2. Воспитательная функция. Через судьбы героев зрители усваивают моральные нормы, учатся различать добро и зло, понимать сложность морального выбора.

3. Психологическая функция. Сопереживая героям, зритель получает возможность открыто проявлять свои эмоции.

4. Познавательная функция. Каждая постановка несёт в себе отражение происходящих в обществе процессов, а через реконструкцию исторических событий, судеб людей театр помогает обществу переосмысливать своё прошлое и настоящее, проектировать будущее.

5. Коммуникативная функция. В ходе театрального действия между актёрами, актёрами и зрителями, зрителями происходит обмен настроениями, чувствами, идеями.

Русский профессиональный театр сложился в XVIII в. и с тех пор прошёл несколько важных этапов.

1. XVIII в. Одним из основоположников российского профессионального театра называют Ф. Волкова: в середине XVIII в. он создал театр в Ярославле.

2. XIX в. В Москве прославился Малый театр, который называют «домом Островского»: на его сцене шли пьесы А. Островского, в нём играл М. Щепкин.

3. Рубеж XIX—XX вв. В 1898 г. К. Станиславский вместе с драматургом и театральным критиком В. Немировичем-Данченко организовал в Москве Художественный общедоступный театр (позднее — Московский Художественный театр, МХТ), который на долгие годы стал главным центром театрального искусства нашей страны. Они создали принципы русского психологического театра, а в 1924 г. вышла книга Станиславского «Моя жизнь в искусстве», где широкий круг читателей получил представление о его творческом методе, который впоследствии назвали системой Станиславского.

4. 1917 г. и 1920-е гг. Возникло новое направление, основанное на духе новаторства и эксперимента: В. Мейерхольд ставил спектакли по пьесам В. Маяковского, Е. Вахтангов основал Третью студию МХТ (ныне — Театр им. Вахтангова), появились Театр Революции, Театр им. МГСПС и другие новые московские театры.

5. Конец 1930-х гг. Ведущим методом в искусстве стал социалистический реализм, а государство полностью взяло на себя финансирование театральных постановок.

6. Великая Отечественная война. Театры эвакуировались в тыл и продолжали работать, театры в блокадном Ленинграде собирали полные залы, а выездные актёрские бригады выступали перед бойцами на всех фронтах.

7. 1950—1960-е гг., время «оттепели». Появилась плеяда выдающихся режиссёров: Г. Товстоногов в 1956 г. возглавил Ленинградский Большой драматический театр, А. Эфрос внедрял новую театральную эстетику, основатели «Современника» создали коллектив молодых артистов, повлиявший на всю отечественную сцену, а звёздами Театра на Таганке стали В. Высоцкий, В. Золотухин, Л. Филатов.

8. Конец XX — начало XXI в. После распада СССР появились театры-студии и антрепризные постановки, а в начале XXI в. российский театр вернул интерес зрителей благодаря новым драматургам и режиссёрам; театры активно развиваются не только в городах-миллионниках, но и в малых городах.

Балет — вид сценического искусства, основанный преимущественно на выразительности танца, музыке и пантомиме, и именно он стал визитной карточкой российского искусства: русская школа балета прославила нашу страну во всём мире.

1. Старейшая школа. В 1738 г. Ж.-Б. Ландэ основал первую российскую балетную школу, ставшую впоследствии знаменитой Академией Русского балета им. А. Вагановой; корни генеалогического древа мирового балета всегда приводят на Театральную улицу (ныне — улица Зодчего Росси) в Санкт-Петербурге.

2. Великие мастера. К концу XIX в. все самые выдающиеся танцовщицы и балетмейстеры служили в Москве и Петербурге: М. Петипа стал известен на весь мир как русский балетмейстер, на сцену вышли М. Кшесинская, О. Преображенская, А. Павлова.

3. Мировое признание. «Русские сезоны» С. Дягилева в Париже в 1909 г. произвели эффект «разорвавшейся бомбы» и вызвали моду на всё русское, а М. Фокин, Л. Мясин, С. Лифарь и другие русские артисты создали тот балет, который сейчас существует во всём мире.

4. Советский балет. Даже в годы Великой Отечественной войны балетные спектакли в блокадном Ленинграде стали примером стойкости духа, в 1956 г. гастроли Большого театра в Лондоне с Г. Улановой продолжили триумфальное шествие русского балета по миру, а «Спартак» Ю. Григоровича до сих пор — один из самых любимых и востребованных спектаклей в мире.

5. Наши дни. Новое поколение звёзд — У. Лопаткина, Н. Цискаридзе, С. Захарова и многие другие — несёт торжество и красоту русского балета всему миру, а классические постановки балета широко известны в нашей стране и далеко за её пределами.

К. Станиславский и В. Мейерхольд — великие российские режиссёры первой половины XX в., но задачи театра они понимали по-разному.

1. Общие черты. Оба режиссёра искали новые пути в театральном искусстве, были не только постановщиками, но и педагогами и создали собственные системы подготовки актёра. Опыт обоих повлиял на всю отечественную сцену.

2. Различие в работе актёра над ролью. По системе Станиславского актёр должен полностью вжиться в роль, а переживания персонажа должны стать переживаниями самого актёра. Мейерхольд разработал систему актёрской игры «биомеханика», в которой образ рождается прежде всего из точного, выразительного движения актёра.

3. Различие в отношении к традиции. Станиславский вместе с В. Немировичем-Данченко создал принципы русского психологического театра, опираясь на всё лучшее в мировом и национальном сценическом искусстве. Мейерхольд после 1917 г. стал одним из ключевых деятелей нового направления, основанного на духе новаторства и эксперимента, и ставил спектакли по пьесам В. Маяковского «Мистерия-буфф» и «Клоп».

Оба подхода обогатили русский театр: Станиславский — глубиной переживания, Мейерхольд — смелостью сценической формы.

Презентация о деятельности театров в годы Великой Отечественной войны может выглядеть так.

Презентация: «Театр в годы Великой Отечественной войны», 10 слайдов (.pptx)

Слайд 1. Театр в годы Великой Отечественной войны. Во время Второй мировой войны многие театры и школы в Европе прекратили своё существование. В СССР театральная жизнь в годы Великой Отечественной войны продолжалась: театры работали в тылу, в блокадном Ленинграде и на фронте. Ни на один день не прекращало свою работу Ленинградское хореографическое училище.

Слайд 2. Театры в эвакуации. В тяжелейшие для страны годы театры эвакуировались в тыл и продолжали работать. Ставились пьесы Л. Леонова, К. Симонова, А. Корнейчука. В них преобладали патриотические темы.

Слайд 3. Сцена блокадного Ленинграда. Театры в блокадном Ленинграде собирали полные залы. Балетные спектакли во время блокады стали одним из главных примеров стойкости духа и силы воли.

Слайд 4. Фронтовые актёрские бригады. Формировались выездные актёрские бригады, которые на всех фронтах выступали перед бойцами. Многие артисты ведущих советских театров регулярно выезжали на фронт в составе агитбригад.

Слайд 5. Спектакль в прифронтовой полосе. В 1943 г. артисты филиала академического театра им. Вахтангова выступали в прифронтовой полосе перед бойцами и местными жителями. Спектакль шёл под открытым небом, зрители стояли плотной толпой.

Слайд 6. Балет на фронте. За годы войны артисты балета дали более 10 тыс. спектаклей. Их выступления поднимали боевой дух солдат.

Слайд 7. Музыка военных лет. Бойцов и тружеников тыла вдохновляла и песня. «Священная война» (музыка А. Александрова, слова В. Лебедева-Кумача), написанная в первые дни войны, стала символом борьбы советского народа с врагом. «Катюша» передаёт чувства, которые объединяли людей во время войны.

Слайд 8. Первая послевоенная премьера. Первой послевоенной балетной премьерой стал балет С. Прокофьева «Золушка». Зрители увидели его осенью 1945 г.

Слайд 9. Итоги. В годы войны театр стал частью общей борьбы народа. Выступления артистов поднимали боевой дух солдат и поддерживали людей в тылу и в блокадном городе. Работа театров в годы войны — пример стойкости духа и силы воли.

Для подборки можно взять иллюстрации учебника и расположить их по этапам развития отечественного театра.

1. Рубеж XIX—XX вв. — портрет А. Чехова. Он символизирует золотой век русского театра: пьесы Чехова «Чайка», «Вишнёвый сад», «Три сестры» и «Дядя Ваня» считаются вершиной драматургии, а его имя носит Московский Художественный театр.

2. Рубеж XIX—XX вв. — фотография К. Станиславского. Она символизирует рождение русского психологического театра: вместе с В. Немировичем-Данченко Станиславский создал его принципы, а система Станиславского стала фундаментом подготовки актёров.

3. Начало XX в. — фотографии М. Петипа и С. Дягилева. Они символизируют мировую славу русского балета: Петипа стал известен на весь мир как русский балетмейстер, а «Русские сезоны» Дягилева в Париже вызвали моду на всё русское.

4. 1920-е гг. — здание Государственного академического театра им. Моссовета в Москве. Этот театр появился в 1920-е гг. как Театр им. МГСПС и символизирует время новаторства и эксперимента, когда в Москве возникали новые театры.

5. Великая Отечественная война — фотография 1943 г.: артисты филиала академического театра им. Вахтангова выступают перед бойцами и местными жителями в прифронтовой полосе. Спектакль под открытым небом символизирует, что в годы войны театр был рядом с народом и поднимал его дух.

6. «Оттепель», 1950—1960-е гг. — фотографии Г. Товстоногова и А. Эфроса, здание театра «Современник» в Москве. Они символизируют плеяду выдающихся режиссёров и новую театральную эстетику, а само название «Современник» — стремление театра говорить со зрителем о его времени.

7. Наши дни — сцена из спектакля «В списках не значился» (реж. В. Машков, по роману Б. Васильева, Московский театр Олега Табакова, 2025 г.). Герои в военной форме, выхваченные светом из темноты, символизируют, что театр, вернувший в XXI в. интерес зрителей, обращается к истории страны и широко использует технические возможности сцены.

8. Наши дни — современное фото Академии Русского балета им. А. Вагановой в Санкт-Петербурге. Оно символизирует преемственность: школа, основанная в 1738 г., и сегодня готовит артистов, а корни генеалогического древа мирового балета ведут на эту улицу — бывшую Театральную, ныне улицу Зодчего Росси.

Вместе эти иллюстрации показывают путь отечественного театра от МХТ и «Русских сезонов» до современных постановок.

Для современной постановки можно выбрать пьесу А. Чехова «Чайка» — одну из четырёх его пьес, которые считаются вершиной драматургии.

1. Замысел. «Чайка» — пьеса о молодых людях, которые ищут своё место в искусстве и в жизни, о любви, призвании и цене успеха. Главная мысль спектакля: каждое поколение ищет в искусстве свои новые формы, и спор молодых со старшими понятен сегодняшнему зрителю.

2. Герои в наши дни. Действие переносится в современность, но остаётся усадьба у озера. Константин Треплев — молодой автор экспериментальных спектаклей и видео, его мать Аркадина — знаменитая актриса, Тригорин — модный писатель, Нина Заречная — девушка, которая мечтает о сцене и славе.

3. Сценическое решение. Декорации минимальны: деревянный помост-сцена у воды, а само озеро создаётся светом и проекцией изображений. Звуковое оформление — плеск воды и крики чаек; свет меняет настроение от тихого вечера первого действия к тревожному финалу; костюмы — современная одежда.

4. Жанр и игра актёров. Чехов соединял комическое с трагическим, бытовое, обыденное — с возвышенным, поэтому смешные бытовые сцены в спектакле соседствуют с драмой героев. Актёры полностью вживаются в роли, как учит система Станиславского, чтобы зритель узнал в героях своих современников.

5. Встреча со зрителем. Спектакль идёт в малом зале, где зрители сидят близко к сцене: так легче возникает обмен настроениями, чувствами, идеями между актёрами и залом. Такая постановка покажет, что пьеса, написанная больше века назад, по-прежнему говорит о том, что волнует людей сегодня.

Высказывания о театре раскрывают его важнейшие черты: связь с современной жизнью и со зрителем, воспитательную силу и способность заострять явления действительности.

1. В. Немирович-Данченко подчёркивает связь театра с современностью: если сцена живёт одной классикой и не отражает сегодняшнюю жизнь, она застывает и теряет зрителя. С этим можно согласиться: каждая постановка несёт в себе отражение происходящих в обществе процессов, поэтому театру нужны и новые пьесы, и классика в современной трактовке.

2. Н. Гоголь сравнивает театр с кафедрой, откуда учитель обращается к слушателям, и так раскрывает воспитательную функцию театра. Мысль верна: через судьбы героев зрители усваивают моральные нормы, учатся различать добро и зло, понимать сложность морального выбора.

3. В. Маяковский считает, что театр не просто копирует жизнь, а увеличивает её явления, чтобы зритель лучше их разглядел и задумался о них. С этим можно согласиться: сцена обобщает и заостряет черты действительности и тем самым помогает обществу переосмысливать своё прошлое и настоящее — в этом проявляется познавательная функция театра.

4. Г. Товстоногов говорит о том, что театр остаётся живым, лишь пока откликается на то, чем люди живут сегодня, — так раскрывается связь сцены и зрительного зала. Это верно: спектакль в полной мере становится художественным произведением, только когда его увидит зритель, и часто зрительская реакция или её отсутствие влекут за собой изменения в спектакле.

5. А. Эфрос раскрывает вечную современность театра: даже старая пьеса звучит актуально, если театр говорит через неё о вечных вопросах понятно для сегодняшнего зрителя. С этим можно согласиться: в начале XXI в. особенной популярностью стали пользоваться классические произведения в современной трактовке и постановке.

Все пять суждений сходятся в главном: театр — живое искусство, которое говорит со зрителем о его времени и помогает ему стать лучше.